陈晓主演的《大生意人》刚上线就被骂，焦点落在女演员向涵之的表演上，网友把这件事指向一个老话题：用人看资本，不看能力。

剧里涉及父女情、夫妻重逢等重戏份，情感强度高，表演难度也高。

观众对朱亚文、李纯等人的发挥认可度高，对向涵之的表现意见很集中，吐槽声迅速把整部剧拖进争议里，平台热搜也跟着走高。

举一场戏更直观。

面对病重的父亲，镜头给了近景和停留，演员需要把情绪从平静推到崩溃，眼神、呼吸、肌肉都得配合。

多数观众说看到的是挤眉、用力，泪点来得不自然，情绪不连贯。

另一场夫妻重逢，搭档是朱亚文，氛围要有压抑后释放的喜悦，台词以外靠彼此接戏去完成。

很多留言说看不出激动，甚至像两场各拍各的戏。

这种反馈不止一次出现，之前在《我的秘密室友》里也有类似评价，悬疑台词的张力没有托住场面，节奏松散。

《繁城之下》播出后，评论区还是同样问题，大家更困惑的是资源为何一直在涨。

向涵之的履历不弱。

在海外出生，回国后签进徐静蕾团队，进组速度快，合作对象很亮眼。

黄磊、白百何、肖战、周迅都与她有合作记录。

热门剧出圈时，她经常与男主被传话题，有王星越、吴磊、王安宇、周翊然等名字出现在社交平台讨论里。

综艺也会把她推到显眼位置。

资源强意味着更高的曝光和更严的审视，出镜次数一多，观众对表演的期待自然提高。

这类讨论不只在一部剧里出现。

今年改编自《红楼梦》的电影《红楼梦之金玉良缘》上了大银幕，观众的注意力集中在“林黛玉”的呈现上。

扮演者张淼怡是科班出身，毕业于上海视觉艺术学院。

路演中她给“林黛玉”贴了“离经叛道”的标签，很多人听完当场皱眉，觉得理解跑偏。

走进正片，脸部管理、微表情、眼神的含蓄度，跟大家对这个人物的想象差距大。

镜头语言很近，脸部状态的小变化都会被看清，婴儿肥、面部线条不够清晰、情绪起伏不够细，都会影响角色气质。

社交平台后来出现她生日照片的对比，大家讨论容貌变化，这种话题把注意力往外引走，内容本身的艺术讨论就被挤掉，影片更难靠表演立住。

另一个名字是庄达菲。

她是北京电影学院毕业，起点不低。

早些年就参与影视、音乐项目，起步时间早。

近年她和姚晨合作《摇滚狂花》，两人关系紧密，行业里对她的资源也有增速。

武侠大IP《射雕英雄传》开机前，女主黄蓉人选出现更换，周也退出，庄达菲接棒，外界解释不一。

黄蓉是观众记忆里非常立体的角色，聪明、俏皮、劲儿足，历代版本的影子都在观众脑子里。

新演员上场压力大，妆造不亮、造型不立，会把角色的“第一眼”优势丢掉。

播出时不少人说造型普通，辨识度低，再看表演，节奏和情绪的弹性不足。

观众的标准很清楚，长相不是硬门槛，戏好能补，但戏得真好才行。

短视频出身的辣目洋子也被频繁点名。

她在喜剧领域很活跃，《兰闺喜事》里笑点密度高，屏幕生命力强。

离开喜剧类型，观众的接受度就有变化。

《与凤行》里她演的是“仙女”，角色需要外在举止有轻盈感，语言有层次，眼神有空灵。

很多人说看到的是生活里的直给劲儿，状态厚重，仙气不够。

《六姊妹》里的表演也被认为和整体氛围不在一个面上。

戏里的姐姐们像梅婷、高露、颖儿，表演经验足，生活感自然，镜头里气息稳定。

辣目洋子的角色设定是乖张，有火力，尺度拿捏需要克制和度。

观众说用力大了，容易显得夸张，镜头就不贴人。

这些案例背后有共同的脉络。

剧组选角常常要在档期、出品公司、平台要求、话题热度之间找平衡。

市场越大，制作周期越短，风险越高，很多团队会把筹码押在熟悉的公司、签约艺人、能带话题的人身上。

这种选择能解决沟通、营销和宣发的问题，能让融资更顺，能满足平台的KPI。

演技的打磨需要时间，需要培训，需要排练，很多项目没有给演员预热的空间。

演员个人能力不足，导演现场指导不到位，表演指导不介入，最终呈现就会失真。

年龄差也常被说到。

《大生意人》里朱亚文和向涵之的年龄差是十八岁，观众对夫妻设定的代入感就变难。

不是所有年龄差都不成立，要看戏里对人物关系的书写方式。

镜头语言能弥补气质差，台词也能拉近距离，靠的是对人物生长线的建设。

创作层面没把人和关系搭严实，演员再努力也会吃亏。

经典改编的问题更复杂。

像《红楼梦》《射雕英雄传》这样的作品，观众有几十年的审美积累。

新版本想要创新，确实需要走出旧影子，可偏离太远就会引起抵触。

对演员要求更高，不止要演好，还要能解释好自己的理解。

路演说法一句话就能影响观众对角色的预期，宣传口径需要和文本一致。

导演要给演员足够的文本支持和表演指导，镜头需要服务角色气质，妆造要服务人物性格，这些环节缺一块，最后口碑就会漏水。

资源分配的不均引发更多讨论。

很多观众会拿张译的获奖感言来对比，“四十岁拿到第一个电视类奖项”，说明有真功夫的人可能要走更长的路。

王劲松那句“背好台词变成值得表扬的事”，反映基本功被忽视的尴尬。

行业里确实存在片酬倒挂、流量优先、制作把控弱的问题，结果就是部分成片质量不稳，观众对国产剧、国产片失去耐心。

观众的评价标准在调整。

以前只看阵容和话题，现在更多人盯完成度、叙事节奏、演员的可信度。

平台的数据也在看完播率、弃剧率、复播率，情绪是真实的，数字也是真实的。

缺少演技支撑的项目会被快速过滤，后续剧组拿不到好时段，广告主也会更谨慎。

资本不是退场，资本会往更稳的方向走，押在质量上。

这一变化需要时间，但方向已经显现。

演员的训练体系需要重新搭起来。

很多剧组已经开始强制走试镜流程，给演员安排表演课，把建立角色的工作提前。

镜头前的情绪不靠用力，靠的是理解和节奏管理，靠的是生活体验。

舞台经验是好东西，能把表演的框架搭牢，影视演员也需要系统训练。

角色气质的匹配也要更认真，年轻演员接老气角色会很难，老演员演青春校园也容易不合适。

观众不拒绝年龄差和跨类型，观众拒绝不可信。

选角的透明度是另一条路。

公开试镜片段、公布角色设定、解释创作选择，都是拉近与观众距离的办法。

观众愿意包容创作选择，前提是看得到努力和逻辑。

经典翻拍可以做题材延展、人物新解，也要尊重原著的核心精神，这样创新才站得住脚。

几位演员的争议也提醒行业看重表演指导的角色。

很多剧组没有把表演指导当主心骨，演员靠自己摸索，导演顾全场面，结果就是细节走样。

好的表演指导能把演员从习惯里拉出来，把动作和台词结合，把情绪拆成可执行的步骤。

观众看得到这种进步。

近几年一些剧用上了表演指导和动作指导，效果明显更好，这条路值得多走。

观众也能推动变化。

看剧看电影时，愿意给作品打分，愿意用播放、收藏、拉黑这些动作表达意见，平台会看见，出品方会看见。

刷流量的空间被压缩，数据含水量下降，创作团队的收益和口碑绑定更紧。

行业里有不少年轻演员在认真进步，有人回到剧团，有人在短剧里磨戏，有人去小制作里找机会，观众愿意看到这样的努力，愿意给时间。

资本是拍片的发动机，演技是作品的骨架，两者不冲突。

把钱用在训练、打磨、选角、剧本建设上，收益更稳，口碑更长。

把钱只用在曝光和话题上，风浪一来就翻。

《大生意人》的争议是一个信号，经典改编的口碑也是一个信号，类型转换的不适应同样是一个信号。

行业要读懂这些信号，把人放在合适的位置，把戏拍给愿意认真看的观众。

个人观点是看戏就看可信度。

脸可以不同，年龄可以不同，路径可以不同，只要人物立住，情绪走得顺，观众就会接纳。

行业该把试镜变成必修，把表演课变成常态，把年龄匹配变成底线，把经典改编的理解写在方案里。

观众继续用遥控器和鼠标做选择，平台把完播率和口碑放在台前，资本把资源转向真作品。

几年后再回头看，演员的路更清晰，观众的耐心更值钱，作品的质量更稳定，这样的变化值得期待。