时隔十年，后海大鲨鱼终于又开始巡演了。在新年的第二天，livehouse的门口排着长队，livehouse里挤满了观众，用热情抵消了北京冬夜的寒冷。

后海大鲨鱼这次巡演的主题是「神马奇行记」，三张唱片里的歌串联起了一场神马的奇幻之游，它攀登过喜马拉雅，看过漫天星光，也曾试图摘下月亮，不断寻找自由和理想。故事般的叙事与精心设计的舞美结合，可以看出来乐队对这次巡演的用心至深。演出最后两首歌《喂！神马》和《心要野》，一首新歌和一首经典代表作，这两首歌穿越了近10年的距离，却延续了后鲨一贯的莽撞、奔放、自由。《心要野》的旋律刚起，全场的观众瞬间沸腾了起来。付菡像一个女王一样，举起那颗闪耀的心，声嘶力竭地唱着“我们生来不属于什么地方”，在新年的第二天，将自由和生命力唱进每个现场观众的耳朵里。 演出前半个月左右，付菡穿着一件利落柔软的羊绒衫出现在了我们约好的咖啡馆里，我们分享了一壶蔓越莓茶，言谈间她就像身上的这件衣服一样，展现了不同于舞台上的温柔和从容。付菡说女性可以以不同的方式存在，可以是摇滚歌手，可以是超人特工，也可以是妈妈。做了妈妈之后，她并不想成为女儿的偶像，也不期待成为任何人的女性偶像，出道近20年，她已经沉淀成了一个平和的表达者，无论女儿还是歌迷，她都希望人们能在她的音乐里自在做自己，就像她一样。

爱乐：从早期的复古Disco、车库摇滚，到后来更具空间感和叙事性的作品，乐队的音乐风格一直在流动。这种演进是音乐理念上的探索，还是生命自然流淌出的结果？

付菡：

这两种都有吧。更主要的线索是我们自然的生命生长方向。我们乐队的人都挺自我的，我们更愿意做个体化的表达，但是同时，我们又不可能不受时代的影响。我们这批人说老不老，说小不小，也跟这个社会一起经历了很多重要的节点。体现在我们的三张唱片上，就好像生命的曲线偶尔会和时代的曲线碰撞，有时会有一段的并行，那些作品可能就会产生比较大的声量和反响。

我们最开始做音乐的时候，完全是一种本能性的表达，我喜欢听什么，觉得谁的音乐很帅，我就想要做这样的音乐，很青春的方式。2000年前后各路摇滚乐以一种非常野蛮的方式开始流入中国，来自外面世界的50、60、70、80年代的音乐，在90年代一股脑地涌了进来，不遵循任何先后顺序，对我们来说是信息爆炸的。现代流行音乐的发展史一下被压缩到了两三年里。所以在第一张唱片《Queen Sea Big Shark》里面，你可以听到很多声音对我们的影响。

做了第三张唱片之后，我回过头来看，才发现我们的三张唱片是“时间三部曲”。第一张唱片是关于过去的，里面有一首《Hello！Passengers》比较能代表这段时期，它讲的是我们如何对过去说你好，风格也是第一张专辑比较常用的复古式的摇滚和车库朋克。那时候我们虽然在“模仿”我们喜欢的音乐风格，但其实已经开始寻找自己的声音了，唱片里完全本能的嗓音和吉他弹奏方式，现在看来其实很能代表当时很多年轻人对音乐的态度。

后海大鲨鱼

2008年我们开始做第二张唱片《浪潮》，也就是北京办奥运的那个阶段，那时候北京发生了很大的变化。我是在后海边，老北京胡同里长大的，那段时间北京开始建起很多地标性建筑，现代化的大楼拔地而起，同时我自己也是开始深度融入社会的年纪。未来世界一下子出现在了我面前，所以音乐也在那个阶段产生了新的变化，我们脱离了第一张唱片的声音，去寻找我们所认为的现代化、未来式的城市的音乐节奏。我们融合了很多当时流行的电子音乐元素，我们把它和我们之前的摇滚乐混搭在一起，就形成了一种很新鲜又有态度的表达。

做完第二张唱片，我们就暂时放下了手里的音乐，去寻找新的声音，也就是大家看到的我们乐队分开了一段时间。那其实是大家各自去生活，去探索这个世界了。再回到一起创作时，我们脱离了所谓的“音乐形式”，而是从表达出发，第三张唱片《心要野》里的很多音乐是我们在家里突然乍现的灵感，开始只有简单的一句歌词，一个小小的动机，或者一段旋律。到这时我们已经不太关心自己的音乐究竟属于哪个“流派”了，所有的形式和风格都可以被拿来使用，这也是因为我们在前两张唱片积累了太多的练习和尝试。从这张唱片开始，我们的每个人都找到了属于自己的声音。

从一到三，看起来是从野蛮生长到可以独立和音乐对话的过程，但在我看来，反而第一张唱片那种野蛮的，或者说本能的创作方式是很宝贵的。我到现在都很喜欢那张唱片，总有常听常新的感觉，会想“哇当时我是怎么想的？怎么能做出这么复杂的音乐（笑）”。现在我想从头了解一个音乐人的话，我会去听他最有名的一张唱片，可能是第三张或者第五张，但同时，我一定会去听他的第一张唱片，那是他音乐的来时路。

爱乐：在你看来，有没有哪一首或几首歌是里程碑式的作品？

付菡：

第三张唱片的《BlingBlingBling》 算一首吧。这就是我前面提到的“自己的声音”，当时的吉他手曹璞先写了这首歌开头那段口哨的旋律，是一段很简单的声音，从那段声音开始，我们进入了化繁为简的时期，用最简单的方式表达音乐本身。那首歌的歌词也说的是在一段漫长的游历之后，虽然有一些慌张和困惑，但对自己说生活还要继续，还要继续心向旷野，是非常自然的情绪流露。

付菡和女儿

爱乐：说到歌词，你们乐队的歌词很有特点，开始很长一段时间写的都是英文歌。

付菡：

我也不是一上来就能写出让自己满意的歌词的，刚开始写英文歌词，某种程度上说是在“偷懒”。那时候听的歌都是英文的，英文格律更适合那些歌的节奏，所以出于模仿和练习的角度，我们刚开始写了很多英文歌。拿到音乐节上表演，大家会跟着我们的节奏舞动，也很开心，但我总会觉得好像缺了点什么，我在歌里所表达的内容观众可能无法完全领会。毕竟在音乐节那种躁热的氛围里，没人想把听到的东西在脑子里翻译一遍，所以我们的音乐在那时就只剩下了律动，这让我有点不知所措。作为一个表达者，我需要我的表达是简洁而有力的，我的信息是可以被人接收到的。

刚开始的英文歌也不是简单的英语单词的罗列，比如刚刚提到的《Hello！Passengers》 ，把它翻译成中文，其实也是能成立的。到了第二张唱片，我们才开始去尝试创作中文歌，比如我现在还很喜欢的《浪潮》这首歌，它的歌词比较抽象，很符合我对“浪潮”这种意象的认识。其实是从第三张唱片开始，我才真正以一个词曲作者的身份去创作。到现在我都觉得歌词才是一首歌里最难完成的部分，我们的很多歌甚至到了编曲那一步都没有搞定歌词。我对歌词的逻辑特别在意，我觉得它不能太意识流，我希望它能像一个故事一样被阅读，歌词所承载的情绪的起承转合对我来说非常重要。比如《奔跑吧，年轻的巨人啊，反正会跌倒》这首歌，它讲的是一个神话故事，我想用有逻辑性的叙事去把它表达出来，但同时我又希望它的词句都简单且流畅，简单往往是更困难的事情。

爱乐：说说“原力女孩”和《新世纪人类浪漫主义》吧。

付菡：

那张专辑更自我。其实我开始没觉得它是那么自我的一张专辑，这是朋友们听过之后给我的评价。但确实做这张唱片时，我的整个思考过程跟做乐队是不一样的。创作过程中我没有给任何人听过，没跟任何人讨论过，也没带任何的预设。乐队的本质是合作，我们每个人都要为团队里的其他人负责，但我天性自由散漫，所以就创造了“原力女孩”这个形象，来承担我在乐队里不能呈现的那些自我。比如里面的《自行车歌王》这首歌，可能大家听完不会有多少共鸣，有点像在旁观一个人的碎碎念一样，但那确实就是很“我”的一种表达。

《新世纪人类浪漫主义》

因为后海大鲨鱼很久没有巡演了，原力女孩出现之后，很多人问我是不是不做乐队了，我心想难道这两个只能二选一吗？现在我觉得原力女孩和后海大鲨鱼就是我人生的一体两面，后海大鲨鱼可能像一件机车皮衣，坚挺，摇滚，强有力；原力女孩更像一件羊绒衫，会温柔地包裹住我的灵魂，是另一种力量。

爱乐：关于巡演，这次的舞台好像很热闹。

付菡：

对。这次的舞台看起来热闹，首先因为我们用了大编制的乐团，舞台上的人很多。另外最重要的是，我希望在两个小时的演出里，让大家尽可能多地感受到我对舞台的想法和创意。我觉得自己更像这场演出的制作人。我们的三张唱片代表着过去、未来和现在的三条时间线，灯光和舞美也根据这条线索来设计。从复古的氛围，到电子科技和未来感，再到绚烂的，符合当下年轻人状态的光影。

我从小学美术，所以对视觉很敏感，调配色彩和图像让我觉得很有趣，我尤其喜欢为每首歌定制呈现方式的过程。比如《时间之间》这首歌，里面有一个“火炬”的意象，我就想如何在舞台上去呈现火炬能准确表达出歌里的概念，又能跟舞台上的我产生关联，后来我设计让一道光打下来，我用手去接住这道光，从台下看去，好像有一团火在我手里。这些想法都是在彩排的过程中碰撞出来的，我很享受这个过程，很像在研发一套产品，或者设计一个装置艺术。

关于VJ的内容，我会在家里打好草稿，把我想要的效果讲清楚，我很怕成为那种要人反反复复修改100遍的甲方。对于整场演出的流程，我也自己做了一个Keynote ，把每首歌里我想要的灯光、VJ和道具都列了出来，让合作伙伴能一下子明白我想要什么，也让我自己的逻辑更清晰。

这个过程里还有很多细节。比如《偷月亮的人》那首歌，想把“偷”和月亮都表现出来，我用了一把梯子，去爬向月亮。一开始大家都觉得这个主意还不错，但真到了彩排时，这个梯子需要定多高多宽，什么颜色，打开多大的角度，有几级台阶，月亮离梯子有多远，都需要反复实验确认。在舞台上爬梯子还是不太稳，于是彩排的时候我们灵机一动，让吉他手坐在梯子上弹箱琴，跟我的动作又构成了很有故事感的一幅画面，台下看着很浪漫，但实际上我们两个人的肌肉都在发力。

比起演出，我更想做一个行为艺术的实验场，这里面的很多首歌甚至都可以单独拿出来做成一个作品。其实现在很少有人会在两个小时的Livehouse 里放这么多的内容，但这是积累了十年的一场巡演，我有太多新的想法，新的技能想跟大家分享，我实在控制不住我自己的分享欲。最重要的是，我希望来到现场的观众能感觉自己经历了一次旅行，跟我一起看到自己的过去和未来，再回到当下，看完演出之后能带着不一样的心情回家。

还有一点，就是我们现在合作的音乐家都特别牛，在音乐的编排上，我们留了很多即兴的空白给这些音乐家去做展示，真的太精彩了，让我自己都在不停刷新着对我们音乐的认识。比如我们整场的第一首歌，是来自第一张唱片的《Hard Heart》，写这首歌的时候，我们只有四个人，但这次巡演我们有了更大的编制，可以用更丰富的配器去表达这首歌。这样看来我们这次的巡演融合了摇滚乐、电子乐、自由爵士等等很多种风格，广度和厚度交织，很像对我们过去20年的一种回答。

爱乐：最近有什么印象深刻的书、电影或者音乐？

付菡：

我最近看了一个MV，是红辣椒的贝斯手Flea的一首新歌。大家了解到的Flea往往是一个很“狂躁”的，张牙舞爪的形象，但同时他很喜欢爵士乐，会吹小号，还演过一些文艺电影。这支MV就是他自己在一个黑色的空间里面，配合bass和小号的律动在舞动身体，我一下子看入迷了，我觉得这是我近期看过的视觉和音乐结合得最好的作品，很简单的表达，但是很妙。

另外我最近在Tiny Desk Concerts上看了一场电子乐队Air的现场，Air的合成器和声音设计向来都很出色，在Tiny Desk这种小编制的舞台上呈现，让我觉得很惊喜。现场就是Air的两名成员加一个鼓手，两个人分别来弹钢琴和合成器，抛开电音舞台常见的视觉刺激，抛开复杂的编曲，把音乐性做到了极致，尤其钢琴的音色和旋律非常美妙。

其实我们做第三张唱片时也有这种想法，希望抽离掉所有的编曲，只用一把箱琴或者一架钢琴去唱这首歌的时候，它依然是动听的，甚至更动人。让音乐回归到音乐性本身，放到今天可能不是一个特别讨巧的方式，但我认为真正爱音乐的人一定会被干净的音乐打动。

我最近又重新读了弗里达·卡罗的传记，文艺青年基本都看过关于她的那部电影，我当年看过也很受触动。最近是读书软件又把她的传记推送给我，我把她结婚之后的那部分经历重新读了一遍。在不同的人生阶段读她的故事，也会有不同的感受，小时候可能会被她对艺术的执着和创造力所折服，但现在我看到的更多是她在病痛和日复一日的折磨中，那种坚韧的生活态度，还有艺术是如何在支撑着她的人生。